De las paredes de las cuevas a la era digital
Imagina vivir en una época sin fotografías, sin video, sin ninguna forma automática de registrar el mundo. El rostro de una persona, la apariencia de un animal, un paisaje favorito, todo eso solo podía sobrevivir en la memoria, y se iba desvaneciendo con el paso de los años.
Mucho antes de que existieran las cámaras, la gente ya buscaba formas de hacer que los momentos perduraran. Primero dibujaron en las paredes de roca. Después llegaron las pinturas, esculturas, mosaicos, grabados, retratos. Con el tiempo, los seres humanos aprendieron a representar la profundidad, a estudiar cómo se comportaba la luz y a proyectar imágenes.
Todavía faltaba algo: lograr que la propia luz hiciera el registro.
La fotografía nació en el momento en que el arte, la óptica y la química finalmente coincidieron. Pero esa historia empezó miles de años antes del primer clic.
Índice
- Antes de la fotografía, hubo imágenes
- Cuando las imágenes salieron de las cuevas
- La búsqueda por representar el mundo tal como es
- La cámara oscura
- El descubrimiento de materiales sensibles a la luz
- Niépce y la primera fotografía conservada
- Daguerre y el nacimiento público de la fotografía
- Talbot y la invención del negativo
- Exposiciones más rápidas cambiaron lo que se podía fotografiar
- Cuando la fotografía capturó el movimiento
- Kodak puso la cámara en manos de las familias
- El color finalmente llegó a la fotografía
- El formato de 35 mm liberó al fotógrafo
- La fotografía instantánea anticipó el mundo digital
- La fotografía deja el carrete y se convierte en datos
- De la DSLR a la mirrorless
- El celular transformó la fotografía en lenguaje cotidiano
- Lo que se mantuvo igual
Antes de la fotografía, hubo imágenes
Las pinturas y grabados rupestres están entre las manifestaciones visuales más antiguas que dejó la humanidad. Usando carbón, minerales, pigmentos naturales e incisiones en la roca, los pueblos prehistóricos representaron animales, figuras humanas, manos y símbolos.
Algunas de estas pinturas, conservadas en cuevas como las de Altamira, en España, tienen decenas de miles de años. No sabemos con certeza por qué se hicieron. Pudieron transmitir conocimientos, representar creencias, marcar acontecimientos o expresar algún vínculo simbólico con los animales y la naturaleza.
Estas no eran fotografías, y probablemente no cumplían la misma función que hoy le damos a un registro documental. Aun así, revelan algo esencial: las personas ya deseaban convertir la experiencia en imágenes capaces de perdurar más allá del momento.
Antes de que existiera el papel, el lienzo o la película, las propias paredes de las cuevas funcionaban como grandes soportes visuales. La imagen ya era una forma de comunicación, y también una manera de resistirse al olvido.
Cuando las imágenes salieron de las cuevas
A medida que se desarrollaban distintas sociedades, las imágenes empezaron a ocupar nuevos espacios y materiales.
En el Antiguo Egipto, pinturas, relieves e inscripciones registraban ceremonias, la vida cotidiana, gobernantes y creencias religiosas. Entre griegos y romanos, las imágenes aparecían en esculturas, vasijas, frescos y mosaicos. En distintas regiones del mundo, textiles, cerámicas, objetos y construcciones también se convirtieron en soportes para narrativas visuales.
Durante la Edad Media europea, los frescos, los vitrales y los manuscritos ilustrados ayudaban a contar historias a una población que, en gran parte, no sabía leer. Estas imágenes no eran solo decorativas: transmitían valores, enseñanzas y acontecimientos.
La pintura también permitió conservar la apariencia de personas importantes. Sin embargo, encargar un retrato exigía tiempo, habilidad y dinero. Además, la imagen siempre pasaba por la interpretación del artista, que podía resaltar ciertos rasgos, ajustar proporciones o idealizar el aspecto de alguien.
La humanidad ya podía crear imágenes duraderas. El siguiente desafío era representar el mundo con mayor sensación de profundidad y realismo.
La búsqueda por representar el mundo tal como es
Durante el Renacimiento, sobre todo a partir del siglo XV, los artistas europeos profundizaron sus estudios sobre perspectiva, anatomía, proporción, luz y sombra.
La perspectiva lineal permitió crear la ilusión de profundidad sobre una superficie plana. Las líneas parecían converger hacia puntos lejanos, las construcciones ganaron volumen y las figuras empezaron a ocupar el espacio de forma mucho más convincente.
La pintura al óleo también abrió nuevas posibilidades. Como la pintura secaba más lento, el artista podía trabajar detalles, transparencias, reflejos y transiciones suaves entre luz y sombra.
Los retratos se volvieron más realistas. Los paisajes ganaron profundidad. La luz dejó de ser solo una forma de iluminar la escena y pasó a participar activamente en la composición.
Al mismo tiempo, los grabados en madera y metal hicieron posible reproducir la misma imagen varias veces. Esto fue importante porque una pintura era una pieza única, mientras que un grabado podía circular entre distintas ciudades y llegar a muchas más personas.
Aun con todos estos avances, las imágenes seguían dependiendo por completo de las manos de alguien. Para registrar una escena, el artista tenía que observarla y reconstruirla desde cero. La naturaleza todavía no era capaz de producir su propia imagen por sí sola.
La cámara oscura
El principio de la cámara oscura ya se observaba mucho antes de que la fotografía fuera siquiera concebible.
Cuando la luz proveniente de una escena atraviesa una pequeña abertura hacia un espacio oscuro, proyecta una imagen invertida sobre la superficie opuesta. Es como si la propia luz dibujara lo que hay afuera.
Estudiosos de distintas épocas notaron este fenómeno. Ya existían descripciones sobre el paso de la luz por pequeñas aberturas desde la Antigüedad. Alrededor del siglo XI, el erudito Ibn al-Haytham realizó experimentos importantes sobre óptica, visión y cómo viaja la luz.
Siglos después, científicos y artistas empezaron a usar la cámara oscura directamente. Al principio podía ocupar toda una habitación. Más tarde se redujo a cajas más pequeñas y ganó lentes capaces de producir imágenes más brillantes y nítidas.
Un artista podía colocar una hoja sobre la superficie donde se proyectaba la imagen y usarla como referencia para dibujar perspectivas y proporciones con verdadera precisión.
La cámara oscura ya reunía los elementos esenciales de una cámara moderna: una estructura cerrada, una abertura, un lente y una superficie donde se formaba la imagen.
Pero había un problema: esa imagen no permanecía. Bastaba con cerrar la entrada de luz, o cambiar la escena, para que desapareciera.
La cámara ya existía. Todavía faltaba inventar la fotografía.
El descubrimiento de materiales sensibles a la luz
Para conservar lo que proyectaba la cámara oscura, hacía falta encontrar algún material que reaccionara a la luz.
Durante los siglos XVII y XVIII, los investigadores notaron que ciertos compuestos de plata se oscurecían al exponerse a la luz. En 1727, el alemán Johann Heinrich Schulze demostró que esa transformación era provocada por la luz, y no por el calor.
El descubrimiento mostró que la propia luz podía dejar marcas sobre una superficie. Lo que todavía faltaba era una manera confiable de controlar esa reacción y detenerla en el momento adecuado.
Hacia 1800, Thomas Wedgwood realizó experimentos colocando objetos sobre superficies tratadas con sustancias sensibles a la luz. Las partes expuestas se oscurecían, mientras que las áreas protegidas por los objetos permanecían claras, formando siluetas.
Las imágenes aparecían, pero no podían observarse por mucho tiempo. Al exponerse nuevamente a la luz, seguían oscureciéndose hasta desaparecer por completo.
El nuevo desafío estaba definido: no bastaba con capturar la imagen. Había que fijarla de forma permanente.
Niépce y la primera fotografía conservada
El francés Joseph Nicéphore Niépce dedicó años a buscar un proceso que permitiera crear imágenes permanentes.
Hacia 1826 o 1827, colocó una cámara oscura frente a una ventana de su propiedad, en la región de Borgoña, en Francia. Dentro del equipo puso una placa metálica recubierta con betún de Judea, una sustancia que se endurecía al exponerse a la luz.
Después de varias horas, retiró la placa y usó un solvente para eliminar las partes que no se habían endurecido. El resultado fue una imagen poco nítida, pero permanente.
Conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, muestra construcciones y parte del paisaje que se veía desde la propiedad de Niépce. La iluminación se ve extraña porque, durante esa larga exposición, el sol cambió de posición e iluminó distintos lados de la escena.
Niépce llamó a su proceso heliografía, expresión que puede entenderse como “escritura del sol”.
Aquella placa representó un cambio histórico. Por primera vez, una escena observada por una cámara había sido conservada de forma permanente por la acción directa de la luz.
El proceso, sin embargo, todavía era demasiado lento para fotografiar personas u objetos en movimiento. Niépce había probado que la fotografía era posible. Todavía necesitaba volverse práctica.
Daguerre y el nacimiento público de la fotografía
En 1829, Niépce inició una sociedad con Louis Daguerre, artista e inventor francés interesado en perfeccionar el proceso. Niépce murió en 1833, pero Daguerre siguió experimentando.
El resultado fue el daguerrotipo, presentado públicamente en París en 1839.
El proceso usaba una placa de cobre plateada. Una vez preparada, expuesta en la cámara y revelada, producía una imagen extremadamente detallada. Vista bajo la iluminación correcta, la superficie parecía revelar una pequeña ventana hacia el pasado.
El daguerrotipo redujo considerablemente el tiempo necesario para producir una fotografía. Aun así, las exposiciones todavía podían ser largas. En los primeros retratos, las personas debían permanecer inmóviles para evitar que el rostro saliera borroso.
Había otra limitación: cada daguerrotipo era una pieza única. Como no existía un negativo, no era posible producir varias copias idénticas de esa fotografía.
Aun así, la novedad se difundió rápidamente. Se abrieron estudios de retratos en las grandes ciudades, y personas que jamás habrían podido encargar una pintura empezaron, poco a poco, a tener acceso a su propia imagen.
El año 1839 se conoció como el nacimiento oficial de la fotografía, no porque todo se haya inventado en ese momento, sino porque un proceso fotográfico funcional se presentó públicamente y quedó a disposición de la sociedad.
Talbot y la invención del negativo
Mientras Daguerre trabajaba en Francia, el inglés William Henry Fox Talbot desarrollaba otro camino para registrar imágenes.
Talbot trataba hojas de papel con sustancias sensibles a la luz. Dentro de la cámara, las áreas claras de la escena se oscurecían más, mientras que las áreas oscuras permanecían más claras. El resultado era una imagen con los tonos invertidos: el negativo.
Al colocar ese negativo sobre otro papel sensibilizado y exponerlo nuevamente a la luz, era posible obtener una imagen positiva. El proceso se perfeccionó y se patentó en 1841 con el nombre de calotipo.
La imagen del calotipo no tenía el mismo nivel de detalle que un daguerrotipo, ya que las fibras del papel se notaban en el resultado. A cambio, ofrecía una ventaja decisiva: a partir de un único negativo, podían hacerse varias copias.
Esa lógica de negativo y positivo se convertiría en la base de la fotografía analógica durante más de un siglo.
Por eso, no existe un único inventor de la fotografía. Niépce logró producir una imagen permanente; Daguerre creó un proceso detallado y popular; Talbot desarrolló un sistema que permitía reproducir la misma fotografía.
La fotografía nació de la suma de estos descubrimientos.
Exposiciones más rápidas cambiaron lo que se podía fotografiar
En los primeros años, la fotografía favorecía todo aquello capaz de permanecer inmóvil: construcciones, paisajes, objetos y personas cuidadosamente posicionadas.
Eso empezó a cambiar en 1851, cuando Frederick Scott Archer presentó el proceso de colodión húmedo. Usaba una placa de vidrio que debía prepararse, exponerse y revelarse antes de que se secara.
El método era exigente. Los fotógrafos que viajaban tenían que cargar productos químicos, placas de vidrio e incluso laboratorios improvisados. A cambio, el colodión producía negativos detallados y reducía bastante el tiempo de exposición.
La fotografía salió de los estudios y empezó a acompañar expediciones, documentar ciudades, registrar conflictos y mostrar lugares lejanos a personas que nunca podrían visitarlos.
En la década de 1870, las placas secas de gelatina hicieron el proceso todavía más práctico. Podían fabricarse con anticipación, guardarse y revelarse después. Como también eran más sensibles a la luz, permitieron exposiciones mucho más rápidas.
La cámara empezaba a dejar de registrar solo lo que estaba quieto. Por primera vez, los movimientos breves podían dividirse y estudiarse.
Cuando la fotografía capturó el movimiento
En 1878, Eadweard Muybridge produjo una famosa secuencia fotográfica de un caballo al galope. Usando una fila de cámaras activadas al paso del animal, logró registrar distintas fases de su movimiento.
Las imágenes revelaron detalles demasiado rápidos para que el ojo humano los percibiera por sí solo. Mostraron, por ejemplo, que durante parte del galope el caballo tiene las cuatro patas fuera del suelo al mismo tiempo.
Muybridge no creó el cine él solo, pero sus secuencias demostraron que el movimiento podía descomponerse en fotografías individuales.
Poco después, Étienne-Jules Marey desarrolló técnicas para registrar varias fases de un movimiento en una sola placa. Sus estudios se conocieron como cronofotografía.
El perfeccionamiento de la película flexible permitió capturar muchas fotografías en secuencia. Cuando esas imágenes se proyectaban rápidamente, el cerebro interpretaba esa sucesión de cuadros como movimiento continuo.
A finales del siglo XIX, inventores como Thomas Edison, William Dickson y los hermanos Lumière desarrollaron equipos para registrar y proyectar estas secuencias.
La fotografía había aprendido a moverse. Nacía el cine.
Décadas más tarde, las cámaras electrónicas de televisión y video sustituirían la película por señales eléctricas. Más adelante, esas señales también se convertirían en archivos digitales. La fotografía, el cine y el video siguieron caminos propios, pero todos siguieron dependiendo del mismo elemento fundamental: la luz.
Kodak puso la cámara en manos de las familias
Aun con los avances técnicos, fotografiar todavía exigía conocimiento, equipo y revelado químico. George Eastman entendió que la fotografía solo se volvería realmente popular si se hacía más simple.
En 1888, su empresa lanzó la cámara Kodak, ya cargada con película en rollo. Después de agotar todas las tomas, el cliente enviaba la cámara completa a la empresa. Kodak revelaba la película, hacía las copias y devolvía el equipo con un rollo nuevo.
El fotógrafo ya no necesitaba preparar placas ni tener un laboratorio. Su tarea principal era simplemente apuntar la cámara y presionar el botón.
En 1889, la empresa lanzó la película transparente en rollo. Además de ser más liviana que las placas de vidrio, el material también impulsó el desarrollo del cine.
En 1900, la cámara Brownie hizo la fotografía aún más accesible. Pequeña, simple y relativamente barata, ayudó a convertir la cámara en un objeto familiar.
La fotografía dejó de registrar solo a gobernantes, acontecimientos históricos y retratos formales. Empezó a conservar cumpleaños, viajes, juegos, encuentros y escenas cotidianas.
Surgía la fotografía instantánea en el sentido original de la palabra: el registro espontáneo de un pequeño momento de la vida.
El color finalmente llegó a la fotografía
Durante mucho tiempo, las fotografías se producían en blanco y negro. Algunas recibían color aplicado a mano, pero el resultado dependía por completo de la pintura hecha sobre la imagen.
En 1861, un experimento realizado por el físico James Clerk Maxwell demostró que una imagen a color podía formarse combinando exposiciones tomadas con filtros rojo, verde y azul. El principio es esencialmente el mismo que usan hoy las pantallas y los sensores digitales.
El proceso, sin embargo, todavía no era práctico para el público.
El gran cambio llegó en 1907, cuando los hermanos Auguste y Louis Lumière lanzaron comercialmente el Autochrome. Las imágenes tenían colores delicados y se veían como transparencias iluminadas.
En 1935, el lanzamiento del Kodachrome hizo la fotografía a color mucho más práctica y ayudó a difundirla en revistas, publicidad, viajes y álbumes familiares. Más adelante, las películas negativas a color facilitaron aún más la producción de copias en papel.
El mundo ya había sido fotografiado en sus formas, luces y sombras. Ahora también podía conservarse en color.
El formato de 35 mm liberó al fotógrafo
La película de 35 milímetros se había usado originalmente en el cine. Durante las primeras décadas del siglo XX, también empezó a aprovecharse en cámaras fotográficas más pequeñas.
Un hito importante fue el lanzamiento comercial de la Leica I, en 1925. Compacta y discreta, permitía llevar la cámara con facilidad, fotografiar rápidamente y capturar varias imágenes sin cambiar de película todo el tiempo.
Esa movilidad cambió el lenguaje fotográfico. En vez de solo organizar la escena, el fotógrafo podía seguirla mientras ocurría.
Esa libertad tuvo enorme importancia para el fotoperiodismo, la fotografía callejera, los deportes y la documentación de la vida cotidiana. La cámara se convirtió en testigo de los acontecimientos.
Más adelante, las cámaras réflex de un solo lente, conocidas como SLR, permitieron que el fotógrafo viera por el visor prácticamente la misma imagen que pasaría por el lente y quedaría registrada en la película.
El intercambio de lentes amplió las posibilidades. Los lentes largos acercaban deportes y animales distantes; los gran angulares mostraban ambientes completos; los lentes luminosos permitían fotografiar con poca luz.
La cámara dejó de ser solo una caja que registraba una imagen. Se transformó en un sistema adaptable a la mirada y a la intención de cada fotógrafo.
La fotografía instantánea anticipó el mundo digital
A finales de la década de 1940, Edwin Land presentó la cámara instantánea Polaroid. Después del disparo, el propio material fotográfico pasaba por el proceso necesario para formar la imagen.
En pocos minutos, la fotografía ya podía sostenerse en las manos.
La experiencia parecía magia porque eliminaba por completo la espera del laboratorio. Por primera vez, el fotógrafo podía producir y ver la copia casi de inmediato.
Décadas antes de que existieran las pantallas digitales, la Polaroid ya ofrecía una sensación que hoy damos por sentada: disparar y ver el resultado al instante.
La fotografía deja el carrete y se convierte en datos
Durante gran parte del siglo XX, fotografiar significaba exponer una película a la luz, revelarla químicamente y producir una copia.
La fotografía digital cambió por completo ese proceso.
Los sensores electrónicos empezaron a convertir la luz en señales que podían transformarse en información digital. En vez de alterar químicamente una película, la cámara empezó a registrar números que describían el brillo y el color de cada parte de una imagen.
En 1975, el ingeniero Steven Sasson, que trabajaba en Kodak, construyó la primera cámara digital autónoma. El prototipo era grande, usaba un sensor CCD, producía imágenes en blanco y negro y guardaba los datos en una cinta de casete.
La calidad era extremadamente limitada comparada con los estándares actuales, y el equipo no estaba pensado para llegar de inmediato a las tiendas. Su importancia estuvo en demostrar que una fotografía podía capturarse, guardarse y verse sin usar película.
En las décadas siguientes, los sensores, procesadores, baterías y sistemas de almacenamiento siguieron evolucionando. Durante los años noventa, las cámaras digitales empezaron a llegar al público. En los años 2000, se volvieron cada vez más comunes.
La fotografía ya no estaba limitada por la cantidad de tomas disponibles en un rollo. El resultado podía revisarse en pantalla, borrarse, repetirse y transferirse directamente a una computadora.
El costo de producir cada nueva imagen prácticamente desapareció. Fotografiar pasó de ser una actividad basada en administrar tomas limitadas a una práctica de abundancia.
De la DSLR a la mirrorless
Las cámaras DSLR unieron los sensores digitales a la estructura de las cámaras réflex tradicionales, conservando el sistema de espejo y el visor óptico. Durante muchos años dominaron el mercado profesional, y ya ofrecían enfoque automático rápido y capacidad de seguir sujetos en movimiento, especialmente en los modelos pensados para fotografía deportiva.
Con la llegada de las cámaras mirrorless, el espejo desapareció por completo y la luz empezó a llegar de forma continua al sensor de imagen. Ese cambio amplió el área de actuación del enfoque automático y permitió integrar sistemas capaces de reconocer y seguir ojos, rostros, personas, animales y vehículos en gran parte del encuadre.
Además, los visores electrónicos empezaron a mostrar una vista previa mucho más fiel de la exposición, mientras que los avances en sensores y procesadores permitieron ráfagas de disparo mucho más rápidas. Algunos modelos incluso pueden capturar cuadros desde un instante antes de que el disparador se presione por completo, una función conocida como precaptura.
En la fotografía deportiva y de vida silvestre, estas tecnologías aumentan las probabilidades de capturar el momento decisivo. La cámara puede seguir los ojos de un atleta en movimiento o de un ave en vuelo, permitiendo que el fotógrafo dedique más atención al encuadre, la luz y el comportamiento de la escena. Es el caso de la Canon EOS R6 Mark II, la cámara que uso hoy en mis trabajos de fotografía deportiva.
El equipo pasó a asumir parte de las tareas técnicas que antes exigían más intervención manual. Aun así, la cámara no entiende por qué un momento determinado es importante. Reconocer ese instante y convertirlo en una imagen significativa sigue siendo responsabilidad del fotógrafo. Si quieres saber qué equipo uso en el día a día, échale un vistazo a Mi equipo.
El celular transformó la fotografía en lenguaje cotidiano
Cuando las cámaras se integraron a los celulares, la fotografía alcanzó una escala nunca antes vista.
La mayoría de las personas empezó a llevar una cámara consigo prácticamente todo el día. Fotografiar, editar y compartir dejó de ser un proceso dividido en varias etapas y pasó a ocurrir en cuestión de segundos.
Los smartphones también impulsaron la fotografía computacional. En vez de depender de una sola exposición, el dispositivo puede combinar varias imágenes para recuperar detalle, equilibrar áreas claras y oscuras, reducir el ruido y aumentar la nitidez.
La fotografía dejó de ser solo un recuerdo guardado en un álbum. Se convirtió en una forma cotidiana de comunicación, usada en mensajes, noticias, redes sociales, documentos, publicidad y entretenimiento.
Nunca se habían producido tantas imágenes. Esa abundancia trajo una contradicción: se volvió más fácil fotografiar, pero también se volvió más difícil crear algo capaz de permanecer en la memoria.
Lo que se mantuvo igual
De las paredes de las cuevas a los sensores digitales, casi todo cambió: los materiales, la velocidad, la forma en que se hacen y se comparten las imágenes. Lo que no cambió fue el deseo de conservar momentos y contar historias.
La fotografía sigue siendo, en esencia, una forma de arte. La cámara registra la luz, pero es el fotógrafo quien interpreta la escena y decide qué quiere transmitir, y buena parte de esa decisión está en los pilares de la composición fotográfica: dónde colocar cada elemento, hacia dónde dirigir la mirada, qué incluir y qué dejar afuera.
Cada elección influye en el significado de la imagen. Un ángulo más bajo puede sugerir grandeza, mientras que un ángulo más alto puede transmitir fragilidad. En la edición, los colores cálidos y vibrantes pueden crear una atmósfera alegre e intensa; los tonos fríos y menos saturados pueden despertar tranquilidad o melancolía.
Por eso, dos personas pueden fotografiar la misma escena y producir resultados completamente distintos. Cada imagen lleva un poco de la mirada, las emociones y las pasiones de quien la hizo.
La tecnología seguirá evolucionando, pero no reemplazará esa visión. La cámara produce el registro, pero es el fotógrafo quien lo convierte en arte.
Después de sumergirme en toda esta historia, es más fácil ver de dónde viene lo que hago hoy en el campo. Cuando sigo a un atleta en movimiento, o una escena que dura menos de un segundo, estoy usando tecnologías que Niépce, Daguerre o Muybridge jamás podrían haber imaginado: enfoque automático que reconoce y sigue la mirada de una persona, sensores que capturan decenas de cuadros por segundo, cámaras capaces de registrar el instante justo antes de que el disparador se presione por completo. Pero el impulso detrás de todo esto es exactamente el mismo que llevó a un francés a apuntar una cámara oscura hacia la ventana de su casa: el deseo de conservar un instante que, sin la fotografía, se perdería para siempre. Cada imagen que hago hoy lleva, aunque no siempre lo note, casi dos siglos de gente intentando resolver el mismo problema.
Sigue explorando
¿Quieres ver cómo toda esta historia se traduce en equipo real, y cómo se refleja en mi trabajo hoy? Échale un vistazo a:
- DSLR vs Mirrorless — diferencias, ventajas y el futuro de la fotografía
- Pilares de la composición fotográfica — regla de los tercios, proporción áurea y mucho más, con ejemplos visuales
- Reseñas de cámaras y lentes — mis evaluaciones detalladas de cada equipo que he usado
- Mi equipo — lo que llevo hoy a los trabajos de fotografía deportiva
Fuentes consultadas
- UNESCO — Cueva de Altamira y arte rupestre paleolítico del norte de España
- The Metropolitan Museum of Art — Línea de tiempo de la historia del arte
- National Gallery — Perspectiva y arte renacentista
- National Science and Media Museum — Introducción a la cámara oscura
- National Science and Media Museum — Niépce y la primera fotografía
- Harvard University — Línea de tiempo de la historia de la fotografía de Harvard
- The Metropolitan Museum of Art — La era del daguerrotipo y los primeros procesos fotográficos
- The Metropolitan Museum of Art — William Henry Fox Talbot y la invención de la fotografía
- Library of Congress — Eadweard Muybridge y el nacimiento de un pionero de la fotografía
- Kodak — Historia y principales hitos de la fotografía en película
- National Inventors Hall of Fame — Steven Sasson y la primera cámara digital